AUTORETRATO PICASSOPICASSO
Pablo Ruiz Picasso
Málaga 1881- Mougins 1973

Yo Picasso, 1901
(Autorretrato)
Biografía.
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   Página de Escultura de Picasso


PRIMERA COMUNIÓN (1895-96)
Óleo sobre lienzo
Museo Picasso, Barcelona

 
La actividad pictórica de Pablo Picasso comenzó a una edad muy temprana, con sólo 11 años fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña. Este lienzo lo empezó con 14 años años y demuestra el dominio que poseía del color, la composición y la técnica.
 
Una frase atribuída al pintor Malagueño en los últimos años de vida sentenciaba: “… a los quince años pintaba como Velázquez, y me ha costado ochenta pintar como un niño…”. Posiblemente ninguna de las dos cosas sea verdad, pero sí reflejaba la necesidad que sentía de explorar e innovar en nuevos campos artísticos desde el principio de su carrera.
PRIMERA COMUNIÓN
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MUJER EN AZUL (1901)
Óleo sobre lienzo
133 X 100 cm.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Con solo veinte años Picasso empieza a escapar de las tendencias academicistas, y mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, monta un estudio en la calle Zurbano donde realiza este lienzo de innovadora concepción cromática.
 
Presentado en un concurso – National Art Exhibition – lo retiró antes del fallo del jurado y quedó olvidado por mucho tiempo. Los misteriosos ojos de la modelo, su expresividad, el exuberante vestido, los dos colores del fondo, conforman una composición de inovadora influencia naturalista.
MUJER EN AZUL
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LA VIDA (1903)
Óleo sobre lienzo.
Cleveland Museum of Art.

 
Cuadro representativo de la “época azul”, en la que nos presenta personajes-tipo de la miseria humana: figuras esqueléticas, alcohólicos, mendigos, prostitutas. Todos ellos dentro de un estilo que recuerda las composiciones de El Greco, con tonalidades azules que acrecentan el ambiente triste del mensaje, como base del conjunto.
 
Fue pintado en Barcelona y muestra el tránsito de la vida representado por una pareja desnuda, que observa a una madre con un bebé vestidos. En el fondo aparcen unas figuras también desnudas que simbolizan el recorrido de la vida hasta soledad de la vejez, todo ello rodeado del ambiente melancólico carcterístico de esta época.
LA VIDA
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LA TRAGEDIA (1903)
Óleo sobre tabla. 105 x 69 cm
National Gallery of Art, Washington D.C.

 
Otro cuadro de la “época azul” en el que el título significa todo el contenido. Todas las características de este período se concentran en este trabajo. Se respira la melancolía, la miseria, la desgracia, todo ello concetrado en la familia que aporta todavía mayor dramatismo.
 
Los colores azules y formas alargadas contribuyen a la frialdad que transmite.
LA TRAGEDIA
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FAMILIA DE SALTIMBANQUIS (1905)
Óleo sobre lienzo. 213 x 229 cm.
National Gallery of Art, Washington D.C.

 
Como transición a la “época rosa” y ya con temas y expresiones más alegres, Picasso trabajó numerosas obras sobre el tema del circo y los saltimbanquis.
 
Este cuadro todavía tiene la melancolía en las caras de los personajes, pero el trazo, los colores y la pincelada denotan otro espíritu más alegre y dinámico.
FAMILIA DE SALTIMBANQUIS
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LA TOILETTE (1906)
Óleo sobre lienzo.
Albright Knox Art Gallery, Buffalo.

 
En plena “época rosa”, sus obras se venden y empiza a conocer a otros pintores que influyen en su trabajo de este período como Henri Matisse. Sigue con fondos simples de dos manchas, la estructura es la misma pero el cambio de colores la hacen completamnete diferente.
 
Es una de sus primeras obras con contenido erótico que más tarde realizaría con profusión.
LA TOILETTE
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EL HARÉN (1906)
Óleo sobre lienzo.(154,3 x 109,5 cm.)
Cleveland Museum of Art. Ohio.

 
También de la “época rosa” pero ya tardía, este cuadro está considerado por los críticos como el antecedente de “Les demoiselles D’Avignon”. La figura hercúlea del hombre que está almorzando con un porrón que mira el objeto del deseo: la mujer, es el tema del cuadro. En el aparece una anciana al fondo representa la figura de “La Celesina”. Las mujeres centrales se peinan, bailan o se lavan, son el centro de atención de los otros dos personajes.
 
En “Les demoiselles D’Avignon” esta función es asumida por el espectador del cuadro.
EL HARÉN
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LES DEMOISELLES D’AVIGNON (1907)
(Las Señoritas de Avignon)
Óleo sobre lienzo
Metropolitan Museum of Art, New York City

Aparecen en Picasso influencias de “artes clásicos y primitivos”, griegos, africanos que se plasman en una nueva concepción de la estructura pictÓrica: “el Cubismo”. Este es el primer ejemplo de este nuevo estilo que seguirían muchos otros artistas. La suavidad y delicadeza con que tradicionalmente se trataba el desnudo femenino se transforma bruscamente en planos y ángulos de una dureza no comprendida para los críticos de la época. Es sin duda el punto de partida para Picasso y otros muchos creadores que definirían este estilo cubista y lo llevarían a ser uno de los principales movimientos del arte del S. XX.
 
Pese a ser esta la teoría más extendida existen discrepancias sobre si en realidad es un cuadro cubista, pre-cubista o una representación pre-abstracta. También el tema produce polémicas, ya que en los dibujos previos aparecen personajes masculinos – un marinero y un estudiante – que desaparecen en el lienzo definitivo. Es posible que sea la evolución de un anterior cuadro de la “época rosa”, “El Harén”, y el tema sea una visión de un prostíbulo. En “El Harén” aparecen hombres y en “Les Demoiselles Dávignon” decide poner sólo mujeres “en un escaparate”, haciendo que el espectador participe activemente en el cuadro y no sea un mero contemplador.
 
El primitivismo, antes mencionado, es evidente en los rostros de las dos mujeres de la izquierda del cuadro que referencian a la escultura “negra”; las dos centrales están influídas por el arte ibérico.

LES DEMOISELLES DÁVIGNON
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NATURALEZA MUERTA
(Los Pájaros muertos)
(1912)
Óleo sobre lienzo. (46 x 65 cm.)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Cubismo: formas dislocadas, ángulos, planos superpuestos, referencias a la realidad… Son Picasso y George Braque quienes inician y estudian este estilo y sin duda el pintor malagueño quien realiza los mejores trabajos. Este es uno de ellos ya de la última fase de creación cubista. Los protagonistas -los pájaros muertos- son de difícil localización, aparecen plumas en diversos planos, picos, patas mezclados con elementos que acercan a la realidad como son los titulares de los periódicos o textos aislados.
NATURALEZA MUERTA (Los Pájaros muertos)
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LA FLAUTA DE PAN (1923)
Óleo sobre lienzo. (205 x 174,5 cm.)
Museo Picasso. París

 
Después de la primera guerra mundial el mundo artístico regresa a un concepto más clasico y real de sus obras. Se produce una vuelta a la figuración en el que la figura humana toma nuevamente relevancia. Picasso no es ajeno a estas tendencias y este cuadro es prueba de ello. Las figuras y el escenario con grandes bloques de piedra recuerdan el clasicismo griego, pero con la luz, el cielo y el mar del Mediterráneo. Además Picasso sigue realizando obras cubistas, su genio creador no le deja retroceder, sigue evolucionando e innovando.
LA FLAUTA DE PAN
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INSTRUMENTS DE MUSIQUE SUR UNE TABLE (1925)
(Instrumentos de música sobre una mesa)
Óleo sobre lienzo. (162 x 204,5 cm.)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
La evolución de Picasso es evidente, sigue haciendo cuadros más clásicos que alterna con innovaciones pseudocubistas. Su amistad con Miró hace que en sus obras se refleje una investigación común que Joan llevaría a sus últimas consecuencias.
 
En este cuadro son evidentes estas tendencias.
INSTRUMENTS DE MUSIQUE SUR UNE TABLE
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BUSTE ET PALETTE (1925)
(Busto y paleta)
Óleo sobre lienzo. (54 x 65,5 cm.)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Casi a la vez que el surgir del movimiento surrelista del que Picasso se distancia a pesar de la insistecia de incluirle en él, reliza obras de dificil encasillamiento.
 
En este caso un bodegón de sencilla composición en el que además de los elementos protagonistas realza el fondo -verja y ventana- con un dibujo de línea ciertamente agresivo.
BUSTE ET PALETTE
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FIGURE (1928)
Óleo sobre lienzo. (73 x 60 cm.)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Continúa con nuevas ideas e influencias, la simplicidad de líneas y colores, el arte decorativo. Este cuadro supone una incursión expresiva fuera de sus épocas artísticas temporales.
FIGURE
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LA NAGEUSE (1934)
Carboncillo sobre lienzo. (182 x 216 cm.)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Ya se ven las nuevas formas expresivas que Picasso adoptará en el “Guernica“. Realmente su diseño se basará en estos trabajos anteriores. Una mezcla de cubismo, figuras retorcidas, luces… un estilo fundamentalmete expresivo, ideal para transmitir ideas y emociones.
LA NAGEUSE
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GUERNICA (1937)
Óleo sobre lienzo (349 x 776 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Más que un cuadro es un cartel, un cartel en lienzo sin texto, no hacía falta, todo estaba “escrito” en esta impactante imágen. Picasso, que más tarde se afiliaría al Partido Comunista de Francia, era defensor de la Republica Española y esta tenía en él un fiel artista de fama reconocida.
GUERNICA
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CABEZA DE CABALLO (1937)
Óleo sobre lienzo (65 x 92 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
ESTUDIO (CABEZA DE CABALLO) (1937)
Grafito sobre papel azul. (26,6 x 21 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
CABEZA DE CABALLOESTUDIO PARA CABEZA DE CABALLO
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MADRE CON NIÑO MUERTO (1937)
Barra de color, grafito y óleo sobre lienzo (55 x 46 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Otro estudio para el Guernica. Se observa que de los primeros estudios al resultado final existe una gran diferencia. Estos trabajos previos son mucho más complicados, con más lineas, más planos e incluso con color. El motivo de esta simplificación es la adaptación de un cuadro -los distintos estudios- a un “cartel” de grandes dimensiones, donde el detalle pasaría desapercibido.
MADRE CON NIÑO MUERTO
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“FEMME ASSISE DANS UN FATUTEUIL GRIS”
(Mujer sentada en un sillón gris)”
(1939)
Óleo sobre lienzo (130 x 97 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Picasso utiliza este tema -mujer sentada en un sillón- como modelo para realizar numerosos retratos femeninos. En este se observa las influencias de los trabajos realizados para el “Guernica”, la deformación escesiva de la cara con formas redondeadas y la conformación del cuerpo en masas de color rectangulares. La influencia de la Guerra Civil Española es evidente en estos trabajos donde la expresividad de los rostros es dramática.
FEMME ASSISE DANS UN FATUTEUIL GRIS
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“NATURALEZA MUERTA” (1944)
Óleo sobre lienzo (81 x 100 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
A la vez que empieza a realizar litografías con evidente entusiasmo, Picasso realiza obras de tema clásico, fundamentalmente bodegones. En estas obras vuelve a aparecer el color, con tonalidades más básicas contrastadas. Las luces dividen drásticamente el cuadro en dos partes, la superior iluminada y la inferior de sombra.
NATURALEZA MUERTA
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“LAS MENINAS” (1957)
Óleo sobre lienzo (194 x 260 cm)
Museo Picasso en Barcelona.

 
A mediados de los años 50 Picasso comienza a realizar estudios de los clásicos y realiza “series” de grandes cuadros de la historia del arte. Esta, “Las Meninas”, es la obra elegida de Velázquez. Otros trajajos de esta época son “Desayuno en la hierba” de Manet o “El rapto de las Sabinas” de David.
No se puede decir que éste sea el cuadro definitivo del estudio de Las Meninas ya que realizó una serie con más de cincuenta versiones. Las licencias que toma en estas interpretaciones son arriesgadas: el formato horizontal y no vertical como el original para incluir más elementos narrativos, nuevos personajes -retratos de Jaqueline su compañera en esos momentos, palomas…-. Lo que queda patente es su admiración por Velázquez, su figura es enorme, va desde el suelo hasta el techo. Es el tema principal de la pintura, para Picasso es más importante el pintor que su obra por muy excepcional que ésta sea.
 
Como curiosidad Picasso comienza la serie de Las Meninas en agosto y termina en diciembre de 1957 pero no dejó que nadie, excepto Jacqueline, los viese durante este tiempo.
LAS MENINAS
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“EL PINTOR Y LA MODELO” (1963)
Óleo sobre lienzo (130 x 195 cm)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
 
Las obras más coloristas de Pablo Picasso las realiza desde el 1960 en Nòtre-Dame-de-Vie donde se traslada a vivir. En este cuadro con caras caricaturescas demuestra su habilidad de transmitir el sentimiento de los protagonistas en el cuadro. Posiblemente sea la interpretación de una época de su vida privada, con personajes -pintor, modelo- y sus situaciones personales, de su entorno.
EL PINTOR Y LA MODELO
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